Ким Хванги трансцендентные пейзажи и эстетика возвышенного

Ким Хванги со своей женой Ким Хянан в Париже. Именно там Ким Хванги выяснил, в чем состоит сущность его искусства и научился его выражать.

Ким Хванги со своей женой Ким Хянан в Париже. Именно там Ким Хванги выяснил, в чем состоит сущность его искусства и научился его выражать.

Пан (Пак) Мичжон,
директор музея изобразительного искусства Хванги

Ким Хванги — основоположник современного корейского абстрактного искусства, который при помощи утончённого и замысловатого фигуративного языка создал художественный мир, исполненный лиризма. Его работы, родившиеся на свет в результате разнообразных экспериментов с формой, открывают нам поэтический дух художника, воспевающий душу и вечность, эхо лунного света и солнечных лучей, а ещё — тоску по непознанному миру.

"10-х-73#322Air and Sound II" Холст, хлопчатобумажная ткань 264х208 см. 1973 г.

“10-х-73#322Air and Sound II” Холст, хлопчатобумажная ткань 264х208 см. 1973 г.

Kогда мать Ким Хванги забеременела им, ей приснился сон, в котором разноцветные флаги плескались на ветру на фоне голубого неба. И как будто для того, чтобы подтвердить намёк, содержащийся в этом сне, Ким Хванги (псевдоним Сухва; 1913—1974) стал художником и, ещё в возрасте двадцати с небольшим лет выбрав путь абстрактного искусства, возглавил в итоге корейский модернизм.

Разнообразные интересы художника, включавшие в себя не только живопись, но и другие сферы искусства, в частности литературу, а также обширный круг общения позволили Ким Хванги не только прожить более полную и насыщенную жизнь как деятелю искусства, но и привели к самой главной встрече в его жизни — знакомству с будущей женой Ким Хянан, которая разделяла его взгляды на искусство и стала верным спутником жизни, словно предназначенным самой судьбой.

Г-жа Ким не только полностью поддерживала мужа в его творческой деятельности и оказала абсолютное влияние на неё, но и активно продвигала изучение, выставки и публикации работ Ким Хванги, чтобы мир узнал об этом корейском художнике. После смерти мужа вдова художника организовала фонд Хванги, чтобы сохранить произведения мастера и оставить их будущим поколениями в качестве национального культурного наследия. Вместе с этим, создав Музей изобразительного искусства Хванги, она способствовала поддержке художников и формированию культурно-художественной среды.

"Бессмертные вещи" Холст, масло. 128х104 см. 1965-1967 гг.

“Бессмертные вещи” Холст, масло. 128х104 см. 1965-1967 гг.

Поиск сущности искусства как главная задача художника

Ким Хванги был человеком, который не знал компромиссов, если речь шла об искусстве. Постоянное стремление к новым вызовам не раз заставляло его, без всяких сожалений оставив за спиной стабильное положение и репутацию в Корее, будучи одержимым желанием начать всё с нуля, отправляться в Париж или Нью-Йорк, на самую передовую мирового искусства. Ким Хванги полагал, что деконструкция объектов природы и выражение их внутреннего мира есть «новый взгляд, выходящий за рамки реальности и вымысла», и, опираясь на эти убеждения, во второй половине 1940-х годов он вместе с коллегами создал группу «Новый реализм». Ким Хванги считал, что художник должен стремиться к тому, чтобы честно и искреннее обнаружить и выразить самого себя в свободном искусстве, и это есть путь выживания и сосуществования на мировой сцене.

Творчество Ким Хванги, художника, которого называют «визуальным поэтом, воспевающим природу» или «менестрелем, воспевающим вечность», можно поделить на два периода — до и после 1963 года. Период до 1963 года, когда художник принял участие в Бьеннале в Сан-Паулу, можно условно назвать ранним периодом. Он включает в себя молодые годы Ким Хванги, когда художник был занят поиском корней творчества и способа выражения, период коллективной деятельности в составе группы «Новый реализм», когда он был предан претворению в жизнь своих творческих идеалов, и «парижский период» (1956—1959), во время которого Ким Хванги был погружён в поиски своего «я» в искусстве и сущности искусства. В ранний период художник интерпретировал мир с точки зрения природы и стремился стать единым целым с ней. Впоследствии Ким Хванги, вернувшись к своему первоначальному намерению, стал заниматься поиском конечной цели, к которой должен стремиться художник, и переехал в Нью-Йорк, чтобы овладеть эстетикой возвышенного и трансцендентного. Эти годы, с 1963 по 1974 год, принято называть «нью-йоркским периодом» или поздним периодом его творчества. В этот период Ким Хванги в процессе разнообразных экспериментов с формой стал по-новому, объективно и созерцательно, смотреть на природу, и благодаря этому новому взгляду его работы обрели окончательную завершённость с точки зрения формы.

С 1963 г. Ким Хванги работал в Нью-Йорке. В этот период он стал отдавать предпочтение пуатилизму, ставшему фирменным знаком художника.

С 1963 г. Ким Хванги работал в Нью-Йорке. В этот период он стал отдавать предпочтение пуантилизму, ставшему фирменным знаком художника.

Воспевая природу

Ким Хванги, в молодые годы склонявшийся к авангарду и абстрактному искусству, со временем выработал собственный стиль, который характеризуется изображением объектов природы на абстрактном фоне. Другими словами, художнику наконец удалось соединить в своих работах восточный менталитет, выражающийся в воспевании природы, в частности гор и луны, цветущих сливовых деревьев и пузатых «таль-ханари», и стремление достичь гармонии с природой с исполненной лиризма фигуративной красотой. Ким Хванги, который рано открыл для себя традиционную культуру Кореи и красоту древнего искусства, коллекционировал антиквариат, живопись и каллиграфические работы. При этом художник питал особую привязанность к пузатым сосудам из белого фарфора, которые называются «таль-ханари» (букв. «лунообразный кувшин»), и эта страсть, выйдя за рамки простого увлечения, оказала большое влияние на его творчество. До того как художник пришёл к полной абстракции, в его работах в качестве конкретных объектов, выражающих идентичность автора и поэтический дух, появлялась корейская природа и традиционная утварь. И даже тогда, когда Ким Хванги полностью перешёл к абстракции, лаконичные линии в его картинах как будто повторяли изящные и сдержанные линии изделий из белого фарфора, а сдержанные, приглушённые, словно безыскусные цвета — его светлый непорочный цвет. На картине, представляющей собой наслоение и дупликацию поверхностей приглушённых цветов и благородных линий, абстракция естественно сочетается с предметным выражением замысла автора, в котором основным мотивом является зарождение и вымирание. Яркий синий цвет, с которым любил работать Ким Хванги, придаёт его работами ещё большую лиричность и иллюзорность и одновременно символизирует природу Кореи. Также этот цвет, будучи следом позитивной энергии ян, солнца как основы всех вещей и символом жизни, рельефно выделяет основную тему картины.

Стремление Ким Хванги к натуралистичной форме и в «парижский период» оставалось главным принципом в его исследовании собственной эмоциональной и творческой идентичности и в поисках сущности искусства. Увидев в Париже своими глазами творения мировых мастеров искусства, художник почувствовал в них яростное «поэтическое послание» и принялся размышлять над тем, что же представляет собой его «поэтическое послание», которое он пытается донести посредством своих произведений. В письме другу, написанном в Париже в 1957 году, Ким Хванги рассказывает о чувствах и мыслях, которые владели им в тот период: «Моё искусство нисколько не изменилось. Приехав сюда, я почувствовал поэтический дух. Мне кажется, что в искусстве должна быть песня. И на самом деле оказалось, что во всех работах мастеров везде присутствует яростная песня. Похоже, что, приехав в Париж, я по-настоящему понял, что эта была за песня, которую я пел всё это время. Как будто здесь, в Париже, я впервые увидел, какое солнце яркое».

В Париже Ким Хванги выяснил, в чём состоит сущность его искусства, и научился выражать её. Другими словами, художник понял, что сила, которая может помочь ему выжить в Париже, содержится не на поверхности, а внутри работы, и что ему нужно сохранять подлинность чисто корейского поэтического духа. Шедевры Ким Хванги, где на фоне особого синего цвета он показал новую интерпретацию таких объектов, как горы и луна, птицы, сосуды «таль-ханари» и цветущие сливы, символизирующих идентичность и природу Кореи, были созданы в Париже именно в те годы. Таким образом, «парижский период» Ким Хванги остался в его карьере художника как «время творчества и созидания», исполненное ещё большей страсти и яростности, подпитанной духом вызова.

Ким Ханги за работой

Ким Ханги за работой

Воспевая вечность

В 1963 году Ким Хванги, являясь представителем Кореи, получил почётный приз на Бьеннале в Сан-Паулу. Встретив там художников со всего мира и познакомившись с их произведениями, корейский мастер почувствовал желание опять начать с нуля и устроить проверку собственному искусству в Нью-Йорке — центре мирового изобразительного искусства. В то время Ким Хванги было 50 лет. Находясь в Нью-Йорке — городе, где царит атмосфера свободы и бьёт ключом творческая энергия, — художник размышлял о том, в каком направлении должно двигаться его творчество. И, столкнувшись лицом к лицу с новой обстановкой, он решился бросить себе новый художественный вызов. После двух мировых войн, которые пережил мир в XX веке, к тому времени в Нью-Йорке сформировалась разнородная по расовому и культурному признаку общность людей, и в этой среде доминировала открытость и непредвзятость, которую мог разделить и понять любой человек. И как это показали художники так называемой Нью-йоркской школы живописи, исповедующие абстрактный экспрессионизм, в Нью-Йорке того времени приветствовались любые художественные течения, а художники шли к общей цели каждый своим путём.

Для Ким Хванги Нью-Йорк стал не пугающим местом борьбы, над которым нужно было одержать верх, чтобы выжить как художнику, но вызывающим любопытство и вдохновляющим новым миром, который пробудил в корейском мастере волю к выражению того, к чему он сам стремился. Кроме того, в Нью-Йорке не было необходимости против своей воли участвовать в социальном движении, как это приходилось делать в Корее, поэтому для художника этот город стал пространством творчества и свободы, позволяющим полностью отдаться работе. Такая среда, как Нью-Йорк, где он мог познакомиться с самыми различными течениями мирового искусства, помогла Ким Хванги по-новому взглянуть на собственное творчество, и в результате корейский художник, который всё это время выражал в своих работах привязанность к природе и получаемые от неё эмоции, стал, отойдя от выражения замыслов, исполненных глубокого лиризма, стремиться к живописи, несущей более универсальные чувства и способной вызвать ощущение сопричастности у большего числа людей.

В своих работах Ким Хванги продолжил экспериментировать как с формой, так и с содержанием. В результате этих экспериментов с разнообразными материалами и многочисленными композиционными решениями объекты природы, имеющие конкретный предметный облик, постепенно сменились абстракциями, состоящими только из сгустившихся точек, линий и плоскостей. Свои эксперименты с линиями и точками, которые впервые стали появляться в некоторых рисунках 1950-х годов, художник продолжал в форме поиска идеальной композиции пространства вплоть до момента, когда он пришел к пуантилизму. Если раньше его работы отличала композиция, содержащая скрытые коннотации, и различные оттенки синего, то теперь, используя такие базовые элементы, как точка, линия и плоскость, художник стал создавать произведения, несущие поэтический дух, произведения, которые отличала одновременно универсальность и интимность.

Изучая его работы, можно увидеть, как в этом процессе Ким Хванги экспериментировал и с формой, создавая абстракции с мотивами гор и луны, креста, цветными плоскостями или в стиле пуантилизма, и с материалами, работая с бумажной глиной, в стиле objet или коллажа, используя масляные краски на газетной бумаге и т.д. Начиная с 1970-х годов, художник начал создавать полотна, состоящие исключительно из точек, линий и плоскостей, что в итоге превратилось в оригинальный стиль Ким Хванги, когда, покрывая всю поверхность холста бесчисленными точками, художник добивался эффекта глубины и тщательной проработки. Все эти точки, которые, стремительно множась подобно живым клеткам, заполняют поле зрения, — это осколки медитации, которыми осыпает нас Ким Хванги. Это поток яростной энергии Солнца и одновременно мерцающий ритм яркого созвездия, ночной вид огромного города, прекрасные пейзажи, по которым тоскуешь, и одновременно — лица, которые хочешь увидеть. А ещё — это образ космоса и океана, глубину которых никогда не измерить.

"16-VII-68#28" (серия). Холст, масло. 177х128 см. 1968 г.

“16-VII-68#28” (серия). Холст, масло. 177х128 см. 1968 г.

Посредством искусства, вместе с искусством

Главные работы Ким Хванги в стиле пуантилизм включают в себя серии «Где и в какой форме мы встретимся вновь?» (1970 г.) и «Космос — Вселенная» (1971 г.), являющиеся шедеврами современной корейской живописи. В этих произведениях художник создал медитативное пространство с помощью глубины и таинственности церулеума, ультрамарина и берлинской лазури, в котором тени аккуратных цветных точек, выражающих чувства, испытанные им на чужбине, выйдя за рамки пространства и времени, приближаются к вечности. Эти многочисленные точки — это не просто пятна, созданные путём бездумного, механического, повторяющегося движения кисти, но результат трансцендентной медитации и наблюдения, и в каждой из них — частица прожитой художником жизни: увиденная природа, встреченные люди, искусство…

Работы Ким Хванги в стиле абстрактного пуантилизма появились на свет в результате того, что для выражения поэтического духа, к которому художник всегда стремился, он отказался от использования конкретных образов и, оставив позади реальность, привлёк для этого абстрактный, лишенный конкретной образности язык фантазии и воображения. Используя западные материалы, такие как холст и масло, художник работал с ними в восточной манере; например, разбавляя густую масляную краску, чтобы она стала жидкой и прозрачной, он добивался эффекта, напоминающего живопись тушью, когда краска слегка растекалась, мягко просачиваясь в бумагу «ханчжи» или ткань. Таким образом художник стремился подобраться к понятию «нездешности» и вечности, когда, преодолев благодаря восточной способности к чувственному восприятию материальности и освободившись от телесности, превосходя время и пространство, человек, выйдя за рамки реальности, направляется к душе, из материального мира к духовному. Должно быть, это порядок вещей природы, человека и космоса, который он пытался понять как художник.

В результате своих творческих поисков Ким Хванги пришел к осознанию того, что идеальным путём художника является жизнь «в искусстве, посредством искусства и вместе с искусством». Мир работ, который художник стремится создать внутри реальности в упорной борьбе, взяв искусство в товарищи, есть сфера трансцендентного, недостижимая без мук родовых схваток. Это возвышенный мир, которого можно достичь, если, воспламенив свою душу, разжечь огонь творчества и волновать души людей «эстетикой трансцендентного».

Если Ким Хванги «парижского периода» воспевал природу посредством созерцательного взгляда, основанного на поэтическом духе, то Ким Хванги «нью-йоркского периода», открыв свой внутренний мир навстречу метафизическому пространству и новой природе, обнаруженной внутри холодной городской цивилизации, придал своим работам самую чистую форму лиризма. Его произведения, появившиеся на свет в результате этих поисков, будучи неисчерпаемым источником эмоций, по-прежнему живут и дышат рядом с нами.

Источник: KOREANA – https://ebook.kf.or.kr/contentsPdf.jsp?book_id=1621

Поделиться в FaceBook Добавить в Twitter Сказать в Одноклассниках Опубликовать в Blogger Добавить в ЖЖ - LiveJournal Поделиться ВКонтакте Добавить в Мой Мир Добавить в Google+

1 комментарий

  • Геля:

    Спасибо редакции за очень интересную статью!

Translate »